卢浮宫的精华，包括达芬奇等意大利画家、法国浪漫主义、新古典主义画家等人的杰作，有一半以上都集中在了德农馆二楼的几个大型展厅之内。所以绝对不能错过德农馆二楼。
达鲁厅
德农厅位于卢浮宫博物馆的最高一层。该厅以卢浮宫博物馆第一任馆长的名字命名。建于十九世纪中叶拿破仑三世第二帝国时期。天花板装饰，以法国历代君主和他们保护和发扬光大的艺术为主题：拿破仑三世的头像位于天花板正中的圆雕饰中。稍稍往下的天花板拱顶的四边上，是四幅表现法国四位伟大君主的绘画，身边围绕着各自统治时期的艺术家。
下面按作者介绍。
雅克·路易·大卫(Jacques-Louis David，1748-1825)是法国著名画家，古典主义画派的奠基人。
《拿破仑一世加冕大典》
《雷卡米埃夫人的肖像》
是雅克·路易·大卫在1800年为法国一位银行家的太太画的肖像画，而且是一幅未完成的作品,原因是她在委托达维特之后私下又请了大卫的学生热拉尔完成此画, 达维特一气之下公开中辍此画。 这里，雷卡埃米夫人身着罗马式长袍，靠卧在罗马式卧榻上，道具有古代铜灯，夫人白色长袍垂搭在靠榻前，一只手支在身后两只圆筒形的枕头上面，榻前有一块踏板，背景是一块素朴的布幕，色彩与形体相谐，呈现一种高雅古朴的休憩状态，一切都显得十分平衡。画家以古典美的抒情手法，描绘了这位夫人的妩媚恬静和秀丽的姿色，成为达维特肖像画之代表作。整个画面呈现出极富古代气氛的典雅环境，体现了新古典主义的风格特点。
《荷拉斯兄弟盟誓》 大卫的代表作，也是新古典主义名作之一。此画取材于罗马故事，荷拉斯是古罗马的一个家族，当年罗马人曾与比邻的伊特鲁里亚的古利茨人发生战争，但双方的人民却有着亲密的通婚关系。战争延续多年未决胜负，最后决定双方各选派三名勇士进行格斗，以胜败决定罗马城与阿尔贝城的统治权的归属。罗马城选了荷拉斯三兄弟，对方选了居里亚斯三兄弟，但这两组兄弟中却有婚姻关系，小荷拉斯之一的妻子是居里亚斯兄弟的姊妹，小居里亚斯的未婚妻则是小荷拉斯的同胞。但荷拉斯不顾女人们的反对为了祖国，决定让三兄弟去格斗。画面正是表现三个兄弟在出发前向宝剑宣誓“不胜利归来，就战死疆场”的场面，老荷拉斯位于画面的正中，他手上的刀剑是这场宣誓激情的焦点。右角是三勇士的母亲、妻儿和姐妹，母亲担心出征凶多吉少而心痛如割，妻子搂着孩子泣不成声，最右侧的一个姊妹，由于她是作战对方的未婚妻，心乱如麻，因为不论胜负，她都将失去自己的亲人。
《跨越阿尔卑斯山圣伯纳隘道的拿破仑》雅克·路易·大卫创作于1800年。
再现了1799年——1802年第二次反法同盟战争期间，拿破仑率领4万大军，登上险峻的阿尔卑斯山，为争取时间抄近道越过圣伯纳隘道，进入意大利的情景。拿破仑军队进入意大利后，给那里的奥地利干涉军队出其不意的打击，最终获取马伦哥战役的胜利。跨越阿尔卑斯的壮举，堪与公元前3世纪迦太基统帅汉尼拔大败罗马军队以及公元8世纪查理曼大帝征战意大利的战绩相媲美。这场战役的胜利，提高了拿破仑的威望和地位，为他后来登上权力的顶峰打开了通道。
意大利战役后，西班牙国王查理四世向大卫订制了这幅画。大卫把画面人物安排在圣伯纳山口积雪的陡坡上，阴沉的天空，奇险的地势加强了作品的英雄主义气概，红色的斗篷使画面辉煌激昂。画面上年轻的拿破仑，充满梦想和自信，他的手指向高高的山峰。昂首挺立的烈马与镇定坚毅的人物形成对比。凡尔赛博物馆绘画部总策划人克莱尔·康斯坦女士介绍说，拿破仑对这幅画的创作进行了干预，要求对真实的历史细节作修改。其实，拿破仑翻山时骑的不是马而是驴子，穿的是普通军大衣而不是红色斗篷。他之所以要求做这样的修改，据说是为了渲染其“英雄的气概和史诗般的远征”。
《萨宾妇女的调停》，雅克·路易·大卫创作于1799年。
罗马初建时，男多女少，于是拉丁人在一次偷袭中掠夺了大批的萨宾妇女带回罗马。萨宾妇女被掠夺3年后，萨宾人进攻罗马进行报复，已为人妻人母的萨宾妇女苦劝丈夫与父兄和好，最终促成两个部族融合。从此，萨宾人和拉丁人一起同为古罗马文明的创立者，罗马最早的三百名元老中即有一百名来自萨宾。图中，左边是萨宾国王提图斯（Titus Tatius)，中间是提图斯的女儿赫尔西莉亚（Hersilia)，右边是赫尔西莉亚的丈夫，战神玛尔斯(Mars)的儿子罗慕路斯（Romulus）。罗马神话说，这位罗慕路斯和他的弟弟雷穆斯（Remus）被一头母狼养大，后来建立了罗马城。画家着意于人物的裸体、半裸体造型，严谨的雕塑形体和细腻的素描功力使这幅激战场面变成古代标准人体展览，缺乏内在精神的感染力，这正是古典主义的缺憾。也反映出达维德此时艺术创造上追求单纯的形式美，理性构思和造型冲淡了艺术美的真实激情。人们认为这是画家在大革命失败后，悲观失望，意志消沉，在这种情绪支配下，借复古以消愁肠。
《皮埃尔·摄里奇亚画像》 1795年
这是画家为妹夫的画像。1794年热月政变后，罗伯斯庇尔被逮捕，大卫也受牵连入狱，获释后住在他妻子的妹妹艾米丽和妹夫皮埃尔·摄里奇亚（pierre seriziat）家中。这幅为他的连襟所画的骑马装，也许是画家的练习之作，细节画的相当的清晰。
《皮埃尔夫人和她的儿子》 1795年
这是画家妻子的妹妹艾米丽（emilie seriziat）即皮埃尔·摄里奇亚夫人和她两岁的儿子埃米尔。画中少妇和孩子神态自然，显然是一幅写生肖像画。色彩用得不多，白色为主间以绿色，显得很明快，色调淡雅中有变化，帽子上的绿色饰带与腰带相呼应，衣裙的垂挂褶纹富有疏密节奏感，单纯的背景衬托出前景人物，画境纯洁美好。古典主义法则中是只重类型排斥个性，重理性排斥情感的，而在这幅肖像画中，达维德表现出更多注重个性和情感的描绘，使画中人物神情自然而真实。
《运送布鲁特斯儿子尸体的军士们》，1787年 布鲁特斯是公元前84年古罗马第一个推翻暴君统治的英雄，他把神圣的罗马大皇帝驱逐到国外，建立了罗马共和国，并成为贤明的执政官，但是他的两个亲生儿子参与了伊特鲁立亚人的复辟阴谋活动，布鲁特斯为捍卫共和国的利益和神圣的法律，毅然处决了这两个逆子。这幅画中所描绘的是武士们将被处决的儿子尸体抬进大厅的一个瞬间，布鲁特斯的妻子作为母亲悲痛欲绝，两个女儿恐怖地依偎着母亲；布鲁特斯显示出一种刚毅和不可动摇的坚强性格，但毕竟处决的是自己的亲生儿子，这时作为父亲不可避免地陷入常人所具有的痛苦之中。画家特意将他安坐在一尊古罗马的英雄雕像投影下，利用朦胧模糊的光影既表现了布鲁特斯的形象又刻画了他复杂的内心世界，英雄的雕像是他依托的精神支柱，隐约的人物动势中体现出坐立不安的心态，但是不安中又含坚定，他高举两个手指表示共和国的兴旺就是最高的法律。这是一个十分感人的戏剧性场面，是情与理、个人利益与国家利益矛盾冲突的场面，画家大卫在这里为人类树立了一个有血有肉正直无私的君王形象。画面构图仍然遵循古典主义的对称式均衡原理，人物被置于罗马建筑的圆柱前，使画面更显庄重神圣。
《帕里斯和海伦之爱》 1788年
这是根据希腊神话进行创作的，传说特洛伊王子帕里斯诱拐了宙斯之女海伦，于是引发了特洛伊和希腊之间长达十年的战争。在《帕里斯和海伦之爱》这幅作品中，布置了极富古典情趣的房间背景，如壁间的神女柱像，极具古希腊美术的特点，但是在这样一个古色古香的背景中，达维特有画出了两个雕像似的人物—海伦和帕里斯，任务的颜色非常明亮尤其是帕里斯腿部的亮度，使人物更具有吸引力，能够让观者仔细的品味画面的内涵。画面的人物不管是从比例还是结构等，画家都刻画的十分准确，尤其是海伦和帕里斯的面部表情表现的及其微妙，传神的效果十分突出。
《教皇庇护七世》，1805年 他参加了拿破仑·波拿巴加冕礼，加冕礼上，拿破仑拿起皇冠戴在自己的头上，然后拿起后冠戴在皇后的头上，这使得主持加冕仪式的教皇庇护七世感觉受到极大的侮辱，后来教皇庇护七世借故开除了拿破仑的教籍，拿破仑则把庇护七世抓起来监禁多年，直到拿破仑倒台。
《雷奥尼达在温泉关》 1814年
大卫几乎用了十五年时间来画这幅画，画的情节是希波战争中著名的温泉关战役。公元前480年，斯巴达国王列奥尼达率领三百斯巴达勇士在温泉关利用天险抵抗波斯国王薛西斯所率的波斯大军。300勇士血战三天后，因斯巴达内奸的出卖被波斯人超了后路，全部战死。画面上的人物围绕雷奥尼达而作各种活动。背景是一片灰色的岩石，人物穿著红色和蓝色的斗蓬，毫无疑问，这是幅严肃的画。大卫在构思这幅画的时候，并没有考虑吸收他青年时期做历史画的经验，一看这幅书，就把我们带到几乎混乱的人群中。这幅画著力突出细部，使人物的行动明亮而紧凑，尽管这幅画十分宏伟，富有很强的戏剧性，但是结束时好像缺乏乐队的配合，缺乏一个指挥，这对于如此大规模的场景，如此众多的和如此多姿多态的人物来说是十分必要的。但为什么这幅画缺乏一个提纲挚领的整体统合感呢？也许是因为，作这幅画始于1800年，后中断多次，1805年放手不画，后来又拾起画笔重新画，直到1814年才完成。
画中的女主人是维尔纳夫的朱丽叶.布莱斯（Juliette Blais de Villeneuve），拿破仑哥哥约瑟夫.波拿巴的妻子是朱丽叶的姨。
大卫《自画像》1794年
《大宫女》
于1814年所作，此幅土耳其宫女图是画家应拿破仑的妹妹，即那不勒斯王国的王妃卡洛琳·摩拉的订购而创作的。这幅画所追求的是以女性裸体来表现女性身上一切可能出现的形态美。画中全裸的大宫女斜倚着靠垫横贯画面，在华丽的帷幕和褥单的衬托下，显得典雅迷人。画家很强调女性身躯的优美曲线，为了表示这种美，他刻意拉长宫女的手臂和躯干。 在构图上，宫女的身躯形成一大弧形，正好与右边落下的帷幕形成对应，使整个画面保持了均衡。色彩上也表现出画家的大胆与别致，蓝色的帷幕与玫瑰色的肉体并不协调，但相衬得很鲜亮，具有装饰效果。宫女像花瓣一般细润的肢体加了一层明亮、丰富的色调和肌理，显得气韵生动，诗意盎然。宫女的体态优雅静穆，可精神面貌冷漠妖娆。这幅作品完美地体现出安格尔对古希腊雕刻那种“静穆的伟大”的美学追求，也是19 世纪裸体艺术的杰出代表作之一。
《洛哲营救安吉莉卡》1819年 故事取自《疯狂的罗兰》，這部以查理曼大帝时代为背景的著名史诗，是意大利诗人阿里奥斯托在十六世纪初完成的杰作。描述洛哲骑着半马半鹰的有翅怪兽，飞越布列塔尼半岛上空，赫然发现被锁在眼泪岛岩石上的安吉莉卡，这位美女即将被送入海妖的口中。他用长矛刺中海妖，將牠击毙，营救了安吉莉卡。右侧安吉莉卡静止不动的形象，与洛哲的长矛所呈对角线的力度形成对比，这就使洛哲彷佛使出全身力气把长矛利入恶龙的咽喉。此构图的美感还在于光线特性的运用，它使安吉莉卡的裸体在阴影中充分显示出它的柔美；在图阴影部分的黄褐色和土黄色的色调衬托下，铠甲的金色、盾牌的红色，洛哲身披斗蓬均白色，特别是那少女躯体的肉色，就显得格外醒目。细节的准确几乎是超现实主义的﹝如武器的装饰、飞鸟的羽毛﹞，使得这个中世纪掌故的气氛更具有浪漫主义的色彩。
《贝尔登肖像》，1832年， 118x95cm 。
这一幅《贝尔登肖像》是他所画的男子肖像中最精彩的一幅，如果说在他那些贵夫人的肖像上,线条在某种程度上让位于他所瞧不起的色彩,那么,在这一幅《贝尔登肖像》上,更强烈的成分不是色彩,而是耐人寻味的素描。面对真实的人物,线的绵密与一丝不苟把他的肖像艺术拓向一个更富陈述性的境界。《作画之先,他为贝尔登先生已画了各种姿势的速写，到正式给贝尔登画油画肖像时,后者已66岁。画家把这位精力充沛的事业家用素朴的色彩与背景来加强他的形象表现力：他坐在椅子上,穿着黑色的衣服,胖胖的身材,气度不凡,一对锐利的眼睛煞是传神。嘴角露着一丝难辨的微笑.这位性格较沉着的鬈发老人,一下子抓住了观赏者的注意力，使人们深感肖像的神采奕奕。评论家戈蒂叶观后称赞这幅画是“生理的肖像,道德的肖像,……是整个时代的发现”。我们只要从贝尔登那双有力的,握在膝头的丰满的手,便足以令观赏者心悦诚服了。
《梅杜萨之筏》
席里柯一幅经典名作。作于1818年。真实事件场景还原。梅杜萨号巡洋舰载着四百多位官兵开往非洲，在西非海岸不慎搁浅，船长是位对航海知识一窍不通的贵族，经过两天混乱而无效的努力后，他便带着一部分官员乘救生艇逃之夭夭，扔下150多位官兵困在茫茫大海上。遇难的人们靠一个临时拼起的木筏，在汪洋大海上漂流了十几天，为了活下去，有的人被迫啃吃死人的骨肉，有的人精神失常，尸体在海水的浸泡中开始腐烂。经过十几天的漂流，筏上最后只剩下15人。当幸存者向报界披露了这一丑闻后，引起了社会的极大震动。26岁的席里柯决定将这场悲剧搬上画布。为使油画作品《梅杜萨之筏》有真实的细节，画家席里柯到存尸所研究尸体，造了一个同样的木筏，又仔细观察了处于各种非常情况下人类的种种表情，还去精神病院画病人，同那儿的医生交朋友。经过一年半的努力，席里柯终于完成了这幅7米长的油画巨作。
这幅画也是席里柯的代表作。1812年，年仅21岁的席里柯第一次在沙龙展出了这幅描绘轻骑兵军官冲锋的画，画中描绘一位全副武装的骑兵军官坐在奔腾如飞的骏马背上，转身挥舞马刀，回身转首的军官成了运动着的画面中心。画家以大胆的色块，粗犷的笔触和充满激越情感的动态，体现了革新精神。
《自由领导人民》
德拉克洛瓦创作于1830年。这是一幅带有很浓寓意特征的画，画中描绘了当时战争的情景：在被硝烟所笼罩的街上，气绝的士兵横尸累累之中，以女神为前导的主角打着象征自由和希望的三色旗(法国国旗)，手执刀剑的群众跟在女神后面，背景隐约可以看见巴黎圣母院大楼。
画面人物的安排是很有趣的：女神的安排主要是想用这样的形象暗示出这种战争的正义性。上身裸露的女神，纯洁而美丽，更重要的是在这里，她是正义、自由、真理的化身。谁也不忍心去杀害她，而会无条件地同情女神所在的一边。这种用法是浪漫主义的想象与现实很好地结合的用法，也是作品成功的主要因素，历史上，这种用法有不少艺术家借鉴过。女神旁边的双枪少年，小小年纪就上了战场，毫无顾忌地在炮火中前进。一方面加强了这场战争的正义感；一方面也体现了这场战争的全民性质。有人认为，这个小孩子即是后来法国浪漫派大作家雨果《悲惨世界》中所写的那个小伽弗洛什的雏型。女神左边那戴礼帽的持枪站在倒塌的防栅上的人，即为作者自己。毫无疑问，作者是想通过这一形象来明确表示出自己的立场——对这场战争的态度，也是一幅自由主义者的画像。他在画面落款用红色，表明他对革命所抱的热诚。
德拉克洛瓦的作品有一种很明显的特征，即热情与思想性主宰整个画面，而技术上也不弱，只是被思想性的感染力吸引过去了。这是18世纪欧洲启蒙思想在19世纪的新面貌，摆脱封建传统的影响，追求个性与人的自由与解放。因此这是一幅用寓意手法来讴歌正义与自由主义意志的赞歌。
德拉克洛瓦《房间内的阿尔及尔妇女》，1832年。 这是一张很重要的作品.虽然这幅画不是以后宫女仆为主题,然而画中出现了一位黑人女仆,这一形象以及她与白肤色宫女的等级对比,自此成为某种具有色情意味的图景,被后来的后宫女仆主题画作大量运用。
德拉克洛瓦的名作。记述了1204年第四次十字军，也是最肮脏的一次十字军，攻陷同为基督门徒的拜占庭首都君士坦丁堡的场景。画家显然对此嗤之以鼻。画面中，战争的灾难笼罩着这个世界之都：到处是殴打、虐杀、掠夺和迫害；悲哀的老者、惨死的妇女、被焚毁的城市，乌云密布，硝烟弥漫。入侵者居于画面中央，作为胜利者的弗兰德斯伯爵鲍德温，威尼斯的瞎眼总督丹多洛和随从们骑在马上，虽然显出不可一世的神气，却也难掩疲倦、迟疑和忧虑。德拉克洛瓦通过悲剧性的题材、富于戏剧性的构图、强烈的明暗对比和动乱的环境，使整个画面充满了悲壮的气氛。
《基奥斯岛的屠杀》
德拉克洛瓦创作于1824年。此画全称是《基奥斯岛上残杀的景象，希腊家庭等待死亡和被奴役》，它的历史背景是：1821年，希腊人武装起义反对土耳其人的统治，要求自主独立，但遭到镇压。1822年4月，土耳其军在爱琴海西端基奥斯岛实行残杀希腊人的行动，杀戳岛民达2万人，剩下的当作奴隶全部掠走。这一事件引起了西欧社会的普遍同情，正好与社会普遍呼吁自由的近代个性解放的思潮相呼应，形成一种社会的潜流。“热情是一切天才的根据”，德拉克洛瓦凭着自己的良知向希腊人民用画笔报以同情，也是对自己所崇拜的英国诗人拜伦的哀悼(拜伦就是在这场声援中亲赴希腊而献身的)，反映出浪漫主义上升时期第二阶段的人民性和人道主义精神。画面中，突如其来的入侵使边抵抗边逃命的人因受伤而精疲力竭了；相互勉慰的男女、缠住濒死母亲的婴儿、骑兵的暴行远近皆是。尤其是一名意志力尚存的老妪，以泪眼凝视着、诉说着活了一段漫长岁月的人才能体会到的生命的尊严。这些残酷而鲜明的场面非常具有感染力。
《萨尔达纳帕鲁之死》
德拉克洛瓦创作于1827年。萨尔达纳帕鲁是公元前822年左右叙利亚的国王。据传说，他在遭遇民众反叛时，不愿落在叛徒手中，在叛军攻入城堡之前，他将宠姬、侍者、爱马、财宝等全部聚集在一室，连同城堡一道烧掉。画面中表现的是：宠姬、爱马等一个接一个地被刺死，马的嘶鸣声和女人们的尖叫声充满了房间，民众的怒号和火势的轰鸣有如怒涛般此起彼伏。已经命人准备好毒酒的国王，傲慢地躺在用象头装饰的巨大床榻上静观这一切。无数金光闪闪的家俱、装饰着美丽的马具的白马和堆砌如山的用品，说明了暴君极尽豪奢的生涯。在一个纷乱的场面中，正弥漫着紧张而激烈的气氛，多重心的画面丰富而有序，形成一个X形的构图：在左高右低轴上，呈现出一条光色带，顶端是傲慢而又显得冷静的国王；下面依次有三个全身裸露的宠姬，正遭受杀戮；底侧右有一位裸身的男仆绝望的举着手向国王呼喊，似在控诉这不人道的行为，并与国王的冷漠形成鲜明对比与呼应。在左低右高轴上，右上角仍然是杀戮妇女的场面，背景隐现出硝烟弥漫着的即将攻破的城堡；左下方一个苏丹仆人正准备把国王的爱马也杀掉。画面底部国王无数的家珍国宝都散落在地上，反映出国王的奢侈生活，也反映出德拉克洛瓦为此画而进行的收藏工作之成绩和严肃的考证性特征。整个画面色彩缤纷、华丽而动人，具有强烈的浪漫主义特征，看得出德拉克洛瓦受巴洛克大师鲁本斯色彩影响的痕迹。尤其是此画色彩极为饱和、单纯，具有强烈的装饰性和冲击力，整个画面几乎可以归纳为红、黑、赭、黄等几种颜色，既表现出华丽的感觉，又显示出残忍的气氛。
德拉克洛瓦，作于1822年。但丁在《神曲》中描绘了自己在维吉尔带领下游地狱所看到的，河中的鬼魂都是活着时做过坏事的，它们想爬上船来求生。在这幅画里，德拉克洛瓦运用了对比色调，以突出主题，两个站立的、裹着大衣的人物的衣着色彩，为互补的绿色和红色；这和惨烈的旋风以及一群扑向渡船的冥界裸身人物，形成鲜明的对照。
《弗朗西斯卡和保罗的影子向但丁和维吉尔显现》。阿里·谢菲尔创作于1855年。
画作描绘了但丁《神曲》“地狱”篇中的一个悲剧故事。弗朗西斯卡是保罗的嫂子，保罗的哥哥奇丑无比，而弗郎西斯卡美丽非常，弗朗西斯卡和保罗一起读书，日久生情。叔嫂通奸的事情败露后，保罗的哥哥把他们都杀了。偷情男女才彻底砸碎了道德的枷锁，放开了自己。画面左侧，裸体的弗朗西斯卡紧搂着裸体的保罗，翱翔之势，欲仙欲死，一层薄纱被风吹拂，飘搭下来。画面右侧幽暗处，站着但丁和他的文学导师维吉尔。
画中是苏利奥人逃亡的画面。一群苏利奥民众为躲避敌兵的追杀，向山顶爬去。主画面是一位母亲高举相握的双手，瞪视着上苍绝望地祷告着什么，幼子的小手紧紧抓住这位母亲的衣衫一脸惊吓的表情无处躲藏。画面中有衣不遮体的姑娘，有伸手向空中乱抓的老妇，有抱头捂脸愤恨的男人，有失去孩子痛不欲生的妇女。山脚下就是正在施暴的追兵，在砍杀着人群。这一系列人物形象的组合，构成了这幅极其惨烈悲壮让人过目不忘的绘画作品。
普吕东（1758～1823）法国画家。作品追求古典美，富于感情色彩。
《约瑟芬皇后的肖像》，1805年
作者把约瑟芬安排在马尔梅松城堡的花园一角的树丛间的石椅上斜靠着，正陷入沉思。皇后穿着袒胸露肩的白色轻纱长裙，一条红色镶边的大氅翻盖在膝头上。画家强调了她那颀长的身材，娇柔的肢体和丰满的胸脯。她具有古典美的特征，但却没有旧式宫廷妇女的那种华贵气。人物面貌和神情及所处的环境，隐含一种落寞感，约瑟芬那深思的面容，似乎在向世人表白她无法诉说的心境。这幅肖像画提示了法国注重写实的古典主义向浪漫主义的情调异化。
《画家和她的女儿》
《拿破仑视察雅法鼠疫病院》
格罗创作于1799年。格罗名扬天下的浪漫主义历史画，就是这《拿破仑视察雅法鼠疫病院》。他根据1799年拿破仑东征叙利亚途中的史实制作的。雅法城是当时叙利亚的军事要地，拿破仑如果在雅法以及阿克城消灭敌军主力，就可以完成这次东征大业。但在激战中，全军遍染鼠疫，情况十分严重。拿破仑为此下令，所有骑兵在行军中一律下马，并身先士卒，徒步行军，以让出足够的马匹来运载病号与伤员，并将重病患者安排住院治疗。这幅画就是表现拿破仑和他的部属亲临病院探视士卒的情景。
这也是格罗的画作，堪称19世纪的超模大片。1812年，缪拉随拿破仑东征俄国。为提振士气，格罗创作了《缪拉元帅骑马像》，画中的这位肌肉比例大过脑容量的英雄一身猎骑兵元帅服，李小龙风格的黄色运动马裤，胯下赤兔马，虎皮马鞍，挂一把马穆鲁克的弯刃马刀，远处烽烟滚滚……真是绝妙的遗像。
弗朗索瓦·爱德华·皮科 Fransois Eddouard Picot(1786-1866年)法国新古典主义代表人物之一。
《爱神与仙女普赛克》
安·路易杰罗德特德·特里奥松 (1767-1824) 法国画家。跨世纪的新古典主义画家，大卫被放逐后他成为新古典主义的领袖。《洪水》，1806年 他的作品《大洪水》在和大卫特的作品《萨比奴女人》竞争中获胜，获得十年大奖。
《沉睡中的恩底弥翁》1791年
保罗·德拉罗什（1797－1856年）是法国画家和雕塑家，善于历史场景画。他最初以成为一名风景画家进行训练，但在竞争罗马奖学金失败后，在1817年转向肖像画创作。在19世纪20年代早期，他进入格罗工作室并开始在沙龙设展，那时恰逢浪漫主义与古典主义进入极度对立的非常时期。德拉罗什采取中间路线。相较于庄严，他的历史题材作品更多聚焦于深刻，同时带有典型的浪漫主义色彩，却通过柔和的学院派风格来呈现。
《拿破仑翻越阿尔卑斯山》，1848年 拿破仑骑着毛驴，手捂着胸口，以抑制胃痛的毛病。“拿破仑在书房里，也常常捂着胃部”，“拿破仑每天只睡四小时，但每三个小时要吃一只鸡”。拿破仑本来不是皇帝，而是一位“常胜将军”。他翻过阿尔卑斯山击败奥地利后，又担任法国远征军司令征服了埃及，威信不断增长。
让.富盖（1420–1481年）是法国15世纪卓越的大师级宫廷画家，他是法国第一位去意大利亲身体验文艺复兴的画家。《查理七世》 这是他的主要代表作之一。这幅画也许是欧洲第一幅真身比例的半身肖像画。查理七世是瓦卢瓦王朝第五位国王（1422年－1461年在位）。他最后打赢英法百年战争，为法兰西在接下来几个世纪的强盛奠定了基础。
《献于圣殿》，1640-1641年。 耶稣出生后，玛利亚和约瑟把耶稣,带到耶路撒冷圣殿，“要把他献给主”，画中接过耶稣的老人是西面，为耶稣献上祝福。
法国波旁王朝第二任国王（1610年－1643年在位）。幼年由其母玛丽·德·美第奇摄政。路易十三亲自执政后与主要依赖红衣主教黎塞留的帮助，开始了法国的专制统治。在其统治期间，欧洲爆发了一场决定性的争霸战争——三十年战争（1618年~1648年），即欧洲最强大的两个——法国波旁王朝与伊比利亚和德意志的哈布斯堡王朝——之间的最后较量。最终法国取得胜利，结束了长达三个世纪的哈布斯堡王朝霸权，成为新的欧洲霸主。
画中两个女性形象代表法国和纳瓦拉，纳瓦拉是西班牙北部一个自治区。前身是一个独立王国，1515年上纳瓦拉与西班牙合并。1589年，由于国王恩里克三世继承法国王位，成为亨利四世，下纳瓦拉与法国合并。
克罗德·洛林（1600－1682年）是法国巴洛克时期的风景画家，但主要活动是在意大利。由于他是洛林人，所以以洛林作为名字而出名。他的画以风景为主，画中的人物与故事与所画的风景无关。《海港边的卡比托利欧》1636年。
乔治·德·拉图尔（1593？～1652），法国画家。以宗教和反映日常生活的风俗画的作品而闻名。拉图尔在世期间可谓名利双收，在他的年代非常成功，但死后却很快被人遗忘，开始默默无闻。直到二十世纪。现在他被认为是十七世纪最重要的法国画家之一，被人们尊称为“烛光画家”，他是极为特别的，极为个性的画家。他坚守着自己的绘画理念，在烛光的方寸之间描绘着自己的天地。造型简洁、背景井然、用色素雅而明亮、极富表现力……他的大部分画作都在刻画夜晚的场景，采用单独的蜡烛或火炬作光源产生阴影，营造出强烈的对比。从而形成了自己单纯简洁，一目了然的绘画风格。
《油灯前的马格达丽娜》
在所有马格达丽娜的画作中以拉图尔的画作最朴素。他创造了一个流露哀怨之情的朴素形象。不像其他画作看起来充满世俗的宴乐、华丽的衣饰，拉图尔的画中只有清醒、沉静、悲哀的反省。画面中，马格达丽娜身穿白色上衣和红裙子坐在油灯前，左手托腮，右手轻抚膝上的颅骨，陷入了沉思。油灯的光线映照着她凝思的面孔与丰满的胸部，也照亮了桌上摆放的厚厚的《圣经》、十字架和反省鞭挞自己使用的鞭子。
她的双腿在光影下也隐约可见。画面凭着烛光的描绘，渲染出一种真实自然而又充满肃穆感的气氛，弥漫着淡淡的阴郁与寂寞。
《忏悔中的玛德兰娜》。
画作描绘曾当过妓女的玛德兰娜在为过去罪恶闭关苦修。膝上的骷髅提醒自己要正视死亡。桌子上还有一根鞭子和一个十字架，暗示其苦修，蜡烛火焰静静映照在在她忧郁的脸庞上。
该画是拉图尔的代表作之一，是宗教作品，圣·约瑟是圣母玛利亚的丈夫，玛利亚未嫁给约瑟家前，她便从圣灵怀了孕。约瑟是个义人，他不愿意公开地羞辱未婚妻玛利亚，但心里的苦恼是可以想见的。约瑟思量如何才能悄悄地休掉玛利亚。正当此时，主的使者在约瑟梦中显现。天使说：“约瑟啦，不要害怕。只管娶过你妻玛利亚来，因她所怀的孕，是从圣灵而来。她会生一儿子，你要给他取名那稣，因为他将从罪恶中救自己的民。拉图尔把圣约瑟画成身材魁武伟岸，可说是非常确切。他弯着腰，大手紧握着工具，肌肉突起，汗珠在手臂和额头上闪着光，显示他正在努力地工作着。年幼的耶稣头上没有神所特有的光环或其他任何外表装饰物，他举着一支蜡烛，这支蜡烛是画面上惟一的光源，就像耶稣是世界上惟一的神灵之光的光源一样。耶稣幼嫩细腻的肢体白里透红，就像一股从体内向外自然放射的光芒一样，拉图尔只有在画神的时候，才会使用这种技法。木匠正在加工的那块木头，在这里象征十字架。
这幅画是卢浮宫中拉图尔的作品中唯一的正常光线场景（其他的都是靠烛光照明的昏暗场景）。画中左侧的三个骗子合伙在欺骗右侧的年轻人，而年轻人丝毫没有察觉，几个人的表情都非常的惟妙惟肖。最左边男子的背后还藏着两张牌，最外面的那张是方片A。
尼古拉斯·普桑(1594-1665年)是17世纪法国巴洛克时期重要画家，也是17世纪法国古典主义绘画的奠基人。他崇尚文艺复兴大师拉斐尔、提香，醉心于希腊、罗马文化遗产的研究。普桑的作品大多取材于神话、历史和宗教故事。画幅虽然不大，但是精雕细琢，力求严格的素描和完美的构图。
《阿卡迪亚的牧人》1638年
为其重要代表作。这里的女牧人与男牧人构成了形象化的一种情绪对比。似乎隐隐地在向观者表白:"死何足惧?阿卡迪亚毕竟是世人的向往之地。" 这种非现实的牧歌式悲凉情调，在一定程度上，表露了画家当时的处境与对艺术的憧憬。画上人物的服饰都是仿效希腊雕刻风格的。
《劫掠萨宾妇女》，1637年
左侧一个罗马人正把一萨宾女人抱在怀里，女人四肢乱动，疯狂挣扎，试图从他那强有力的臂膀中挣脱出来。为加强这组人物，画家在他们左侧又添了一个穿红衣的传令官。他似乎很冷静地站着，观看这一场野蛮的劫掠。右边一个老人抱住狂暴的罗马士兵，企图阻止他去杀害被抛掷在地上的婴儿。婴孩的母亲被推搡倒地，但她仍无力地用双臂挡住那个赤裸上身的凶残的屠杀者。这是一场人性与兽性的大博斗，是古代人被欲望驱使的民族战争的图画。
《福塞翁的葬礼》，1648年。 作品描绘的是在风景秀丽的郊外，两个愁眉苦脸的健壮男子抬着被刽子手处死的主人走向墓地的场景。他们的主人福塞是主张和平的雅典将军，民主派得势后，他被处死，而且禁止将他葬在雅典。周围的景色依旧，树叶随风轻摇，湖水明澈如镜，远处的建筑错落有致，万里晴空，白云悠悠。静悄悄的世界并不因为失去了某个人而打破平静，人们一如既往地生活着、忙碌着。羊群静静的吃草，牛慢吞吞地拉车，红衣男子骑着马奔驰而过。在蜿蜒伸向远处的小路上，一系列的人物、树木、建筑错落有致、层次分明的排列开来。这宁静的一切反衬了近景中人物的悲痛。人民的幸福需要和平，而为和平而战的人已经牺牲，城市却依然美丽，生活一切照旧。作者配合主题，有选择地将观察到的风景加以剪裁，使人体会到一种高远的境界。《福塞翁的葬礼》创作于普桑迷恋风景画的最初时期，是他所创作的风景画中完美的典范。
《获救的小皮瑞斯》
这幅作品构图平稳，严谨端庄的造型和大块平涂的色彩处理，造成一种少有的伟大庄重的寂静感，具有古典理想主义的特征。画的中央坐着神话传说的阿波罗。他是一个体格健壮的青年牧人，头戴桂冠，这是他追求女神达芙妮失败的纪念物。阿波罗狂恋达芙妮不成，达芙妮变成一棵月桂树。阿波罗摘下了月桂枝叶编成桂冠，以为怀念。他右手还支着一架从众神的使者赫耳墨斯处获得的七弦琴，正在命他的缪斯之一欧忒耳珀记下他心中被灵感激发的诗句。那个记着诗句的缪斯似乎有所悟，正仰起头望着天空。天使与另一缪斯女神围在他的身边，期待着阿波罗的泉涌般的灵感。
雅克·布兰查德（1600–1638年），法国巴洛克画家，曾在意大利博洛尼亚和威尼斯学画，并为都灵公爵工作过很短的时间。他对色彩的运用深受16世纪威尼斯画家的影响，善于描绘女性的美，而得到“法国提香”的绰号。《维纳斯和智慧三女神》，1631–33年。 画中的内容是一个凡人遇到美丽绝伦的维纳斯和智慧三女神后被惊到。
尚佩涅《最后的晚餐》，约1652年。
《死去的耶稣》，1654年。
洛朗·德·拉·海尔（1606-1656年），出生于巴黎的法国巴洛克画家。《圣母升天》，1635年。 画面上方，圣母被天使接往上天，下面的是耶稣的门徒。
根据四大福音（马太福音，马可福音，路加福音，约翰福音)记载：“到了一个地方，名叫骷髅地，就在那里把耶稣钉在十字架上。”
《贞洁的葡萄 》，1640年。
《发舟西苔岛》，1717年
西苔岛，爱神维纳斯的诞生之岛，恋人之岛。最右侧的树荫掩映之中，是她的塑像。这座雕像的眼神慈悲而怜惜，她望着画面中的八对恋人，这些恋人在维纳斯雕像面前海誓山盟，决意再不分开，他们在唱歌、跳舞、调情，然而此刻他们只能依依不舍地离开恋人之岛。维纳斯看着他们，似乎他们的爱情也将像她身上的爱情再未被表现得这样易于理解，这样一目了然：离开维纳斯和这片绿荫，他们的幸福就会陷入却全然危险的境地。这一点无须华托赘述。恋人们正沉浸在心满意足之中，但同时也在悲伤地缓缓离去——爱情的快乐，转瞬即逝。
《丑角吉尔斯》,1720年。 这个专门供人取乐的插科打诨人物，身穿白色丑角上衣。画家没有画他在表演时的舞台生活，而象一座纪念碑那样，让他顶天立地站在画幅中央。背景为一野外之地，悠悠彩云嵌入蔚蓝的天空中。吉尔斯立于前景上，在他的右下角，有一组象征正直与善良的舞台角色，他们躲在树丛中；在左边，有一骑驴的人被处于深沉的阴影中，它象征虚伪、淫荡与社会上普遍存在的阴谋诡计。吉尔斯就如同出污泥而不染的一朵莲花，他无力地垂着手，目光凝视，似在追思什么。他没有现出丑态--那本是舞台上的表情，可现在他的戏演完了，已无求于世人，正等待帷幕落下，这就是这幅画的内在含义。
《铜水箱》
是夏尔丹杰出的静物画之一。带水龙头的铜水箱占据了画面的主要部分，观众可以明晰地感到它的质地、光泽和重量。看似随便摆放的水桶、铁勺和罐子使画面布局均衡。从静物的高光点和投影来看，光线来源于左上方。夏尔丹用其真挚的感情揭示出日常平凡事物蕴藏的质朴美，赋予了静物无穷的生命力。
《浴后的狄安娜》 1742年
狄安娜是希腊古神话中的月亮和狩猎女神。布歇以其娴熟的艺术技巧和善于描绘脂粉气很浓的审美趣味，使这幅画成为他最优秀的代表作，从而赢得了宫廷贵族的欢心。画上描绘着狄安娜刚刚狩猎归来，洗浴完毕做在山坡上，草地上放着箭壶和狩来的猎物，猎狗在饮水（左下）,俯在地上的侍女和她的目光都集中在她翘起的右腿和足尖。似在查询什么，女性的肉体被明丽的色彩和精致的笔触作了细腻的描绘。从而把神话中的女神纳入了世俗的审美享受中。
《破壶》
“破壶”，是法国民间俗语，即少女失去童贞的象征。就这一含义来说，画上的主人公应是一个受谴责的对象。但在这个时髦的椭圆形画框里展现的，却是一个十分可爱、秀丽多姿的妙龄淑女。画中用色匀称，笔触细腻，素描是古典主义风格的。而挂在这位显得天真、纯洁的少女的右腕上的那只破壶，反而成了不引人注意的细节。从背景的处理到人物衣纹的严格描绘来看，这幅肖像画是一幅十足的学院派风格的古典油画。当这幅画展出时，引起公众的强烈反应，提高了画家在画坛的地位。《破壶》的模特儿原是画家追慕中的少女，不久，画家正式娶了这位使他一举成名的姑娘。但是，实际上她却并不是天真烂漫的女孩子，而应该说是给人带来不愉快的女子；格瑞兹却没注意到这些，不久和她结婚，高兴得了不得，她想要什么就给她买什么。安勒越来越放肆，到最后卷走格瑞兹的财产，竟说什么“他再也没用了”，就把他抛弃了。因此，格瑞兹变得一文不名，晚年不得不过着非常悲惨的生活。
是安格尔所作的一幅表现东方情调的土耳其裸女画，是他年轻时的作品。画中人物如大理石般光滑的背部是构图的中心，她身体微转，使各部分有了细微的变化。安格尔将身体各部分的微妙变化描绘得十分细致，以连续、简单的轮廓线勾勒出完美的身体曲线。半明半暗的光色在光洁的背部微微地变化浮动着，绿色的帘子、白色的床单、白红花的绸巾围绕着她，窗帘与床罩的褶线用以强调背骨的垂直线，帘后狮形龙头里缓缓流出的水是惟一“声响”的表现。整个画面不存在强烈的色彩刺激，却有一股典雅、纯粹的美感表现力。
《土耳其浴室》，1862年，直径108厘米。
安格尔的《土耳其浴室》在描写女性人体技巧方面达到了顶峰。画面上，一群在土耳其宫廷浴室里的少女，正悠闲自在地享受沐浴给她们带来的欢乐。安格尔用熟练的笔触，优美的线条，柔和、富有变化的色彩，画出约1-个女人体。她们在浴室中的不同动势和情态，组成一幅统一和谐的生活画面，这充分显示了画家的匠心独运。他有意在浴女中安插了一个黑人侍女，更加强了画面色彩的对比效果。《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、一种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。
下图左边是席里柯《梅杜萨之筏》小稿 。中间是德拉克罗瓦的《墓地中的孤女》。
这幅画，是来自德拉克洛瓦的《墓园少女》(Young orphan girl in the cemetery)。这幅画是画家在1824年创作《希阿岛的屠杀》之前的习作，坐在墓园的少女也许是刚刚失去了双亲，悲伤、无助地望着天空，画面色彩暗淡，充满悲惨的情调，或许是为了创作希阿岛的屠杀而酝酿创作的情感。
这是一幅色彩优美的肖像杰作，它描绘一个戴着用树叶编的“花环”的青年女子。一片树叶在她的前额投下了影子，观众把这个影子误认作珍珠。这虽是一个错觉，却包含着对这幅画的真理性的判断。这幅油画在世界十大名画排行榜中名列第七。
《蓝衣女郎》，1874年
系柯罗晚年的肖像杰作，它完全不同于他在50年代末的构思。这个华贵的世俗女性，非常时髦。她一只手支在桌面的行李上，脸朝一侧望去，另一只手贴在胸前，那一身能体现这个女郎的高贵气度与婀娜体态的蓝色衣裙标志着她的身份和地位。这已经不是写生之作，它那优美的蓝调子使整个画面充溢着象征性光辉。一言以蔽之，它也许正是柯罗晚年的心灵的化身。
这幅画描绘了夏特尔大教堂及周围的景色。夏特尔大教堂建于13世纪初，和卢浮宫几乎是同一时间的建筑，在当时对人们的思想具有很大的影响力。画中仔细描绘了教堂最具建筑特色的部分，比如位于两座钟楼之间的圆形彩画玻璃窗、支撑教堂拱顶的支柱等，而对教堂右边的两座小山丘挡住了周围的城市建筑，使得这幅画更像是一座村庄里的场景。
埃德加·德加(1834-1917)印象派重要画家。德加富于创新的构图、细致的描绘和对动作的透彻表达使他成为19世纪晚期现代艺术的大师之一。德加是一个以画芭蕾舞女而著称的画家。德加的画里根本没有故事。他之所以对芭蕾舞女演员感兴趣，并非因为她们是漂亮少女。他似乎不关心她们的心情，他以印象主认者观察周围风景那种冷漠客观的态度去观察她们。他关心的是在人体形状上的明暗的相互作用，是他可以用来表现运动或空间的方式。 德加晚年把主要精力投入了女子裸体的主题。从1880年开始，德加主要是画色粉画。色粉画使他能够用素描方法画色彩，并且在无损于素描的情况下取得丰富的设色效果。《出浴》
乔凡尼·安东尼奥·康纳尔(1697-1768年)，意大利风景画家，尤以准确描绘威尼斯风光而闻名。在《圣马可广场》、《大运河上的赛船》，及其他作品中，他将准确的建筑细节与明亮的色彩结合起来。卡纳莱托在18世纪30年代到40年代期间用一架针空照相机把摄得的画面投影到幕布上，然后在幕布上精确地描绘威尼斯的风景。在他的画中就连威尼斯运河里最细微的海藻堆都被记录下来了，因此他的画被选来比较现在和当时的气候情况。《里亚托桥》
《农民家庭》 勒南兄弟最大幅的风俗作品，日常生活中农户全家福。共9个家庭成员，一只猫一只狗，围绕着篝火和桌子。桌子上仅有面包、红酒和盐，并不是吃饭的摆设，意为是食物让家族三代人紧密连接。他们穿戴整洁，与现实中需要干农活的情况不相符合，是美化后的效果。人物造型庄严肃穆，棕灰主色调突出路易十八时期艰苦朴素的特征。
《铁匠铺》，1641年
是一幅较早的描写农村工匠生活的风俗画，画面真实、质朴、生动地刻画了铁匠家里的全体成员。他们站在炉火熊熊的打铁炉前，火光映亮了一张张纯朴的脸。这些劳动者的形象给人一种十分亲切的感觉。
枫丹白露画派是对一批意大利艺术家的称呼。十六世纪中叶，法国国王弗朗索瓦一世将他们召集到枫丹白露宫进行装饰工程。到了十七世纪，法国国王亨利四世再次将一批艺术家召集到枫丹白露，但这次来的是法国艺术家，被称为“第二代枫丹白露画派”。
推测为《加布莉埃尔德斯特蕾和姐妹维拉公爵夫人》肖像，1594年
这幅绘画的作者不得而知，但画风为典型的枫丹白露第二画派的风格。画中两位年轻女子身体凹凸曲线的表现手法体现出文艺复兴时期意大利艺术的影响。而远景处的室内情景则带有佛兰德绘画的特点。
十五世纪德国的绘画，具体是哪些画家已经无法考证了。《三博士来访》
《马太福音》第二章：当希律王的时候，耶稣生在犹太的伯利恒。有几个博士从东方来到耶路撒冷，说，那生下来作犹太人之王的在那里。我们在东方看见他的星，特拜他。博士们跟着星，找到了。进了房子，看见小孩子和他母亲马利亚，就俯伏拜那小孩子，揭开宝盒，拿黄金，乳香，没药为礼物献给他。
《22岁时的自画像》
这件作品上的题词是“一切事情都好像是上天安排好似的”，这是一种信仰的表达，也是对绘画的喜爱的传达。这件作品上还描绘了一束蓝色的刺蓟花，而这种花是夫妻忠诚的一种表达，所以可以判断这件作品是为艺术家的未婚妻创作的。这幅肖像画中，丢勒看起来刚毅、成熟，同时也十分感性，带有一种甜蜜。丢勒对自由的喜爱可以从服饰上看出，皮肤的色调也十分的活泼，红色的衬衣、绿色的衣服、金黄色的长发，在这样的对比下，更加衬托出丢勒的神韵。
佛兰德斯美术，15世纪早期至17世纪佛兰德斯地区（今比利时西部、法国北部、荷兰沿海部分地区）美术的通称。代表人物有勃鲁盖尔、鲁本斯、凡·戴克等。对欧洲美术的发展有很大影响。 小弗兰斯·普布斯（1569-1622年），他的父亲老弗兰斯.普布斯和祖父皮特.普布斯也都是弗兰德斯画家，小弗兰斯·普布斯的宗教画几乎都是为巴黎的教堂所绘。《最后的晚餐》, 1618年。是作者最著名的宗教画。
鲁本斯的画廊。这间大厅里陈列了鲁本斯为法国国王亨利四世的王后玛丽·梅迪奇绘制的二十四幅巨幅画作，以几乎300平米的画布展现了这位传奇性王后的一生，真可谓天纵奇才。（鲁本斯画中的人物多半丰满雄壮，所以今天欧洲许多为丰满女士提供特大号服装的商店都美其名曰“鲁本斯装”。）
《玛丽·美第奇的一生》24幅组画中的第三幅：玛丽的教育
画面表现的是玛丽出生后所受的良好的贵族教育。穿红衣的玛丽正在向坐着的智慧女神雅典娜（蓝衣）学习，并在书上写着字；左边拉琴的是阿波罗神，阿波罗是太阳神，并且也是主管艺术音乐的神，精通竖琴和古希腊七弦琴，阿波罗神表示教授玛丽音乐和艺术；上面的是赫尔墨斯神，是宙斯的传旨者和信使。他也被视为雄辩之神，意寓玛丽将来的雄辩的口才；右边的美惠三女神将美丽带给玛丽。地面上还有些与艺术绘画雕塑有关的文具物品等。
洛朗·德·拉·海尔（1606-1656），巴洛克画家。他出生于法国巴黎。虽然从未去过意大利，但却深受意大利画家的影响，曾受黎世留委托绘制过许多大型壁画。《圣母升天》，1635年。
中世纪的尼德兰包括荷兰、比利时、卢森堡以及法国东北部的一些地区。由于地理条件优越，尼德兰很早就是欧洲西北部重要的水陆交通中心，手工业发达，商业繁荣，是当时欧洲资本主义经济十分发达的地区，因此文艺复兴时期尼德兰美术也取得了辉煌成就。
15世纪尼德兰画派成就非常突出。另一方面，尽管这些作品大多表现了传统的宗教题材，却由于画家对描写世俗生活和周围环境的兴趣大大增长，作品中便不时体现出现实主义倾向。罗伯特·康宾和扬·凡·埃克是尼德兰画派的主要奠基人。
亨利·贝雷萧斯(?-1445)，北尼德兰画家，他是欧洲北部最有成就的早期板面画画家，所谓板面画就是在油画布被广泛使用前，使用木板作为油画的载体。《圣德尼的殉道》，1415–16年。 画的中央表示三位一体，左边是圣德尼在向基督领受最后的圣餐仪式，右边是圣德尼和他的两位同伴被砍头殉道。
《罗林大臣的圣母》 1431年
在赭石色和棕色的整体色调上，跪凳的蓝色布幔和圣母长袍的红色特别醒目。近景中两个人物所处的环境，均按中心透视法绘成，底墙上三个拱门呈现出户外优美的景致。画面中人物所处的内部空间各个不同，而且同一画面所朝向的外部空间也无一雷同，如此的布局给予绘画深度和广度空间的连贯。
吉尔·凡·德·韦登（1399-1464）是一位比扬·凡·艾克稍晚的有影响的尼德兰画家。韦登《天使报喜》，1440年。
玛丽亚正在读书，忽然有天使飞来告诉她受孕的消息。作品人物表情平静，手势准确生动，衣纹优美流畅，是典型的古典美的形式法则。
《愚人船》，约1490年
这幅作品创作于西欧封建制度濒临危机的阶段，人文主义者伊拉斯谟讽刺诗《愚人颂》是他创作《愚人船》的灵感之一。博斯巧妙的将写实与浪漫的方式相结合，辛辣的讽刺了当时的教会和官僚。这条船已经无法前进了，而主教大人、神学家、庄园主以及对教会深信不疑的蠢货们仍然在船上陶醉于疯狂的随心所欲之中。他们大声歌唱、肆意调情，桅杆上特意挂起长长的教幡企图显示他们旺盛的生命力，而这一切只是徒劳。如果有人胆敢指出事实真相，那就要身首异处，挂在桅杆上的头颅表明了这一点。在愚人们欢乐的情景中充满了犀利的讽刺，清冽的天地包裹着愚人的罪恶，委实令人回味无穷。
昆廷.马赛斯（1465/1466-1530年），弗兰德斯著名画家，安特卫普画派的奠基人。
《放贷者和他的妻子》，1514年。通过1806年巴黎的一次公开拍卖所获得。 这幅画也有叫做《银行家和他的妻子》，知名度算是比较高的。放贷者正在用称称量金币（也许是其他的货币），他的老婆暂时停下手中正在看的《圣经》，好像在帮他的丈夫核对着别称错了。画中人物的服装、饰物等细节都被刻画的非常细腻。女人手中的圣经翻开的一页很是逼真。桌面上有个类似凸面镜的镜子，通过镜子的反射，可以看到窗户、窗外的建筑、教堂，以及坐在桌子前面的借钱人。
Jan Massys（1510-1575）比利时画家。他的父亲是画家，他的儿子也是画家。
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（1606-1669）欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。 伦勃朗所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术。明暗法，这名词，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦（Fromentin）称他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。 伦勃朗作品《画架前的自画像》。在伦勃朗的全部肖像画中，自画像要占很重要的地位，其数量之多在历史上所有油画家中，几乎找不到第二个。就现藏世界各地博物馆的他的自画像看，据不完全统计也有90幅左右，其中60幅是油画，20幅是铜版画，10幅是素描自画像。
《自画像》
《沉思中的哲学家》 ，1632年 。 这幅画是伦勃朗的画作中所少见的，因为终于他将光源（窗户）交代出来了。但是，他对于用光是那么吝啬，整个画面弥漫着朦胧的黑色调。窗边，哲学家，昏暗的屋子——这一切准确不过地表达了他的主题：冥想。画家让思绪伸展的空间不是辽阔的旷野之类的环境，而是眼前的深邃的黑暗，深刻的伦勃朗！法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦称他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。这幅作品是很好的例证。
雅各·凡卢（1614-1671年）荷兰巴洛克画家，笔下宗教、神话题材中的女性裸体让他比伦勃朗更受欢迎，犯下命案逃亡至法国，开启了他和后代引领的近2个世纪时尚。《半裸女人的习作》，1658年。画中的女人是当时一位比较有名的模特，许多阿姆斯特丹的画家都曾以她为模特画过像。
约翰内斯·维米尔（1632—1675），荷兰最伟大的画家之一。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。
《缝纫女工》1665年 是维米尔的优秀作品，也是他的代表作之一。画作以诗意化的方式描述一个在编织蕾丝的女工那种专注平和的神情，以一种抒情情调给人美的享受。维米尔与同时代画家的不同之处在于，他以极端、甚至颤抖的感光度来表现光线，喜欢用蓝色和柠檬黄两种色彩组成十分和谐的色调。